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MaxJazz

MaxJazz是來自美國的唱片品牌。MAXJAZZ爵士歌唱系列（vocal series），是支撐該廠牌于不墜的兩大支柱之一，另一支柱則是爵士鋼琴系列（piano series）。每逢各大國際爵士雜志在票選年度最佳專輯時，MAXJAZZ的鋼琴或人聲專輯總是榜單上的常勝軍，在市場上也有很好的銷售成績。在爵士或即興音樂逐漸小眾化的今天，MAXJAZZ反而在逆境中求勝，訣竅無他，給藝人最好的表現機會，將他們介紹給講究音樂細膩度和音響品質的樂迷，MAXJAZZ將這段橋梁搭得十分成功。

入門級的樂迷或許要問，聆聽爵士樂的訣竅究竟在哪里？事實上，聽爵士樂，不外乎就是掌握藍調和弦進行、搖擺的切分音節奏，以及即興詮釋的角度和變化。對一般的人耳朵來說，人聲歌唱的親近性一向是最高，也最容易產生共鳴。藉由歌詞中的指涉與情境鋪陳，讓聽眾可以很快體會歌手想表達的情感。MAXJAZZ爵士歌唱系列最大的特色就在于改編經典歌謠的手法創意十足，無論是盛行于五十年代的傳統抒情曲，亦或是60-80年代的搖滾、節奏藍調或民謠，歌手都可以從不同的角度重新詮釋??，賦予這些曲子新生命，于是老樂迷可以懷舊，新樂迷則溫故知新。

老歌新唱，在MAXJAZZ的爵士歌唱系列中比比??皆是；Erin Bode重唱Cyndi Lauper的「Time After Time」、Beatles的「Here, There and Everywhere」（收錄于Don't Take Your Time專輯）， Erin Bode的嗓音甜美，以鄉村民謠或草根藍調的手法來詮釋流行曲，聽來格外清新自然。Carla Cook則翻唱搖滾歌手Niel Young的「Heart of Gold」（收錄于It's All About Love），以她充滿靈魂味的嗓音來詮釋這首名曲，少了點滄桑的牛仔味，厚實感倒是增強不少。新秀Cassandre McKinley的新作Til Tomorrow則是向節奏藍調大師Marvin Gaye致敬之作，原本激情洋溢的「Let's Get It On」，透過巧妙的編曲轉化為清純脫俗的民謠風。

在爵士歌唱專輯中，仔細聆聽歌手與伴奏樂手之間的「對話」非常重要，特別是樂器（鋼琴、薩克斯風或小號）獨奏的部分如何與歌唱對應、銜接。在MAXJAZZ爵士歌唱系列中，鋼琴手Bruce Barth、Eric Reed，薩克斯風手Ron Blake都扮演了核心的伴奏或編曲的角色。對樂迷來說，聆聽爵士歌唱專輯的最高境界是「你中有我，我中有你」，歌手的演唱與樂器之間進行完美的水乳交融。MAXJAZZ嚴選制作的歌唱饗宴已經熱騰騰上桌，等待有心人盡情享用！

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電話：(800) 875-8331
電子郵箱：info@MAXJAZZ.com。

日本哥倫比亞公司

日本哥倫比亞公司（Nippon Columbia），起源于1910年創建的日本留聲機商會（Nippon Chikuonki Shokai），創始者是美國商人霍恩（Frederick Whitney Horn），他自1896年開始在日本橫濱開展包括留聲機在內的進口貿易，1907年建立了日美留聲機制造公司（Japan-U.S. Recorders Manufacturing），1910年投產，日本留聲機商會即是負責銷售的公司。1912年兩個公司合并，成為一個即生產又銷售留聲機及唱片的公司。1927年加盟哥倫比亞留聲機公司，1927年建立了日本哥倫比亞留聲機公司（Japan Columbia Recorders），1946年改名為日本哥倫比亞公司（Nippon Columbia Co.）。

經過幾十年的發展，它成為一家知名的跨國公司，在英、法、德、加、美等許多國家設有分公司。2001年美國的里波伍德集團收購了日本哥倫比亞公司42%的股權和旗下品牌DENON 98%的股權。DENON原本是成立于1939年的一家小型電器制造公司，為NHK等公司生產磁帶和其他產品，名稱是由Denki Onkyo（即“電気音響”，電器音響）縮寫而來，最初以“Den-on”知名。1947年被日本哥倫比亞公司收購。
　
日本哥倫比亞自創建不久便開始引進生產唱片，早期還出版過二、三十年代中國音樂唱片，包括梅蘭芳及周璇的作品。1963年英國哥倫比亞將日本的唱片發行權轉東芝，此后CBS又與Sony合作，日本哥倫比亞失去了哥倫比亞的片源和商標權，轉而與法國Erato公司合作。1974年Erato中止了合作。日本哥倫比亞便開始以Denon為商標發行唱片。
　　
Denon唱片的范圍很廣泛，包括西方古典音樂、中國音樂、日本音樂、爵士樂與流行音樂等。古典音樂方面，Denon出版了許多全集，諸如《莫扎特鋼琴奏鳴曲全集》、《西貝柳斯交響曲全集》、《長笛奏鳴曲全集》、《馬勒交響曲全集》、《舒伯特鋼琴奏鳴曲全集》等。Denon還出版了不少優秀的管風琴作品，這是因為它的錄音師彼得·維爾莫斯特別擅長管風琴錄音。Denon在音響器材技術方面具有特別的優勢，1972年最早開發了數字錄音機（PCM），為數字音響的發展奠定了基礎。Denon唱片也在此基礎上得到了公認的品質，其唱片封面上多標出“PCM Digital”（PCM 數碼錄音）。Denon還專門設立了一個出版古樂的商標Aliare，這也是一個古樂中的知名品牌。

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電話：81-3-6895-9001。

Nonesuch

Nonesuch唱片公司是來自美國的唱片公司及其品牌名稱，1964年由霍爾茲曼（Jac Holzman）創立于美國紐約。霍爾茲曼是一位音樂和音響發燒友，1950年在馬里蘭的安納波利斯圣約翰大學院學習時，便開始使用當時最新的便攜錄音機，錄制和出版民謠。后來在紐約創建了埃萊克特拉唱片公司（Elektra Records）。早期側重于民謠、早期樂器（大鍵琴等）作品，1960年代的民謠熱潮中，埃萊克特拉得到空前的發展，后開始涉足于爵士、流行音樂等領域，1970年被華納公司兼并，成為華納集團中的一個重要組成部分，即現在的埃萊克特拉娛樂公司（Elektra Entertainment）。而Nonesuch也隨之歸屬于華納集團。

Nonesuch取意于“獨特”，即None such。它是霍爾茲曼為拓展埃萊克特拉出版范圍而創立的低價位古典唱片品牌，宗旨是使年輕人能夠接受古典音樂，所錄制的曲目力求富于特色。早年曾出版過阿爾比諾尼的作品集、法國路易十四時代一些不太知名的宮廷作曲家的作品等。后來特雷莎·斯特恩（Teresa Stern）女士接手，加強了美國現代作品與民族音樂的出版，推出了“探險家系列”（Explorer series）。錄制過亞當（John Adams）、格拉斯（Philip Glass）、格什溫等人的作品，這些作曲家大多是新音樂、后電子音樂、后浪漫主義以及后朋客音樂領域的代表性人物。其中戈雷茨基（Henryk Gorecki）的第三交響曲，曾引起很大反響。其旗下的克羅諾斯四重奏（Kronos Quartet），是古典流行領域有代表性的室內樂團。此外他們也關注“世界音樂”，錄制過印度尼西亞、日本、嘎納等不同地域的音樂，也包括中國的琵琶曲。Nonesuch出品的唱片也使用Elektra Nonesuch的名稱，并使用Elektra的圖標。

作為一個相當有個性的廠商，NONESUCH一直矗立在現代音樂的前沿，在NONESUCH旗下云集了眾多大牌的現代音樂大師，如JOHN ADAMS、PHILIP GLASS、LOUIS ANDERIESSEN、HENRYK GORECKI、STEVE REICH、DON BYRON、ASTOR PIAZZOLA這些大師在新音樂創作領域、后電子、后浪漫甚至后朋客音樂領域都堪稱一代宗師，比如PHILIP GLASS的電影音樂、STEVE REICH的電子音樂以及JOHN ADAMS的標題作品都是深入探察20-21世紀嚴肅音樂的行動指南。正是因為這些作曲家的存在，嚴肅音樂在才新的時代里擁有了新的定義和全新的風貌。再看NONESUCH旗下的樂隊和演奏家群體，而以STEVE REICH為主的一群優秀音樂制作人更是對電子合成樂器的使用達到了登峰造極的程度。NONESUCH經常請來LSO和諸如圣路易斯交響樂團等美國樂隊來演出。在NONESUCH中更有GINDON KREMER、ERIC STERN等大牌音樂家，而KRONOS QUARTET則是NONESUCH旗下最頂尖的一支重奏組合，其配合默契，曲目獨特，錄音精良。

科赫音樂公司

科赫音樂公司（KOCH Music），1975年由弗朗茨·科赫（Franz Koch）先生創建于奧地利。公司的名稱曾有“科赫音樂公司”（KOCH Music GmbH）、“科赫唱片公司施萬”（KOCH Records GmbH Schwan）、“科赫國際公司”（KOCH International GmbH）、“科赫國際古典施萬”（KOCH International Classics Schwann）、“科赫國際公司施萬”（KOCH International GmbH Schwann）等。出版范疇包括了古典音樂、爵士、搖滾等各種類型。在古典音樂領域，特別注重錄制罕見曲目及未曾錄音的曲目。

1987年，弗朗茨的兒子米夏埃爾·科赫（Michael Koch），在美國創建了“科赫國際”（KOCH International），專門銷售科赫歐洲公司的唱片。不久，美國公司也開始拓展業務，錄制唱片，并為此創立了“科赫國際古典”（KOCH International Classics）品牌。

第一張唱片是伯恩斯坦的《詠嘆調與船歌》（Arias and Barcarolles）的首演錄音，這張唱片榮登暢銷唱片排行榜，并獲得了格萊美最佳當代作品獎。此后科赫美國公司秉承科赫歐洲公司的傳統，出版了不少不太知名或被忽視了的近代美國作曲家的作品，諸如考埃爾（enry Cowell）、斯蒂爾（William Grant Still）等。科赫美國還特別注重女作曲家、演奏家，錄制托爾（Joan Tower）、斯特羅齊（Barbara Strozzi），以及大提琴家貝瑟（Maya Beiser）、女高音墨菲（Heidi Grant Murphy）、女指揮家法萊塔（JoAnn Falletta）等人的作品。

1992年，科赫美國又創立了爵士品牌“科赫爵士”（KOCH Jazz）、1994年進一步擴展到流行音樂領域，創立了“科赫唱片”（KOCH Records）品牌。1999年收購了 Velvel 唱片公司（Velvel Records），并成立了科赫娛樂集團（KOCH Entertainment Corporate）。2002年，科赫歐洲公司被環球音樂集團收購，更名為“科赫環球（KOCH Universal）。而科赫美國公司仍由科赫家族獨立經營。

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電子郵箱：rainer.bischof@umusic.com。

MP3Jam

MP3Jam是一個通過開放的YouTube資料庫和Vk.com獲取免費音樂的平臺，用戶通過下載該網站上的軟件，來篩選你喜歡的音樂。用戶可以輕松找到包含流行音樂、R&B、搖滾、古典、爵士、Hip hop等類型的音樂專輯，或使用搜尋功能來尋找你喜愛的音樂。

除了能直接在軟體上收聽，也可以下載MP3格式(320kbps)至電腦內保存。無需輸入驗證碼，本身也沒有廣告，輕輕一點即可下載儲存。如果你純粹只想要聽音樂，MP3jam更是一款音樂播放器，選擇你要聽的音樂類型，或者找到你喜愛的歌手、專輯，點擊播放就能開始聽音樂，完全免費。需要注意的是，安裝完成該軟件以后，會自動安裝一個系統管理軟件，不喜歡的用戶直接卸載即可。

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電子郵箱：contact@mp3jam.org。

泰拉克公司

泰拉克公司（Telarc），是來自美國的一家以錄音效果新穎，具有震撼力而聞名于世的唱片公司。1977年由兩位受過古典音樂訓練的音樂家和教師倫納（Jack Renner）和伍茲（Robert Woods）在美國俄克拉何馬州的克利夫蘭創建。開始主要出版克利夫蘭樂團、波士頓交響樂團、辛辛納提交響樂團等樂團的錄音。80年代中期起進入歐洲市場，取得了很好的業績，被公認為美國最成功的唱片品牌。經過了20多年快速成長，已成為著名的發燒唱片公司。曲目涵蓋了古典音樂、傳統爵士樂、藍調音樂、現代爵士樂和跨界音樂（電影音樂、百老匯音樂、流行音樂改編曲）等多種領域。

Telarc以錄音品質著稱，追求技術上的效果。這傳統起源于它的發起人，倫納本人早在1962年就曾建立過一家小公司，研究錄音技術，為高保真音響的愛好者生產唱片。在數碼錄音方面，它一直走在技術的前列。Telarc 已推出了500多張唱片，其中如《1812序曲》，以真炮錄音，廣受發燒友的稱道。其他如《滴水再現》，以及由電子合成器演奏的《電子貝多芬》、《電子巴赫》、《電子莫扎特》等，動態范圍很大，是常用的試音碟。

在眾多的唱片公司中，Telarc很特別的將每次錄音所使用的錄音器材，線材以及附屬設備，錄音地點，時間等都詳細列出(香港雨果唱片公司也是如此)，很有為音響迷度身定做之意。《1812年莊嚴序曲》中最后的大炮動用了弗吉尼亞州第十五軍團的三種19世紀巨炮，鐘聲也是在辛辛那提東部一座百年教堂鐘樓前實地收錄的。《大峽谷》中的雷鳴電閃，則是冒著生命危險花了一年時間在峽谷收集真實雷聲所得。至于《阿波羅13號》中的火箭升空效果，更是不惜代價的在亞利桑納洲的發射基地周圍鋪上數公里長的“麥克風陣”記錄下來的，難怪由近至遠的隆隆聲貼地而行，綿延不絕。那么恐龍的音效呢?這是動物園中獅虎的咆哮加上建筑工地的壓路機轟鳴，在五角大樓的電腦系統合成起來的。匪夷所思的驚人之舉真是數不勝數，令人難以置信。

Telarc在錄音時經常使用非常昂貴的Monster或MIT發燒線材。在錄音控制室，Telarc一直使用RPG聲波擴散器來調整空間，以求錄音師像發燒友一樣在第一時間聽到最真實的效果。更為嘆為觀止的是，Telarc所使用的Sony等現成錄音設備，在采購之后均請專人進行打磨，以使其音質絕對符合自己的一貫要求。至于錄音場地，與Decca擁有KingswayHall，RCA擁有芝加哥音樂廳，Mercury擁有羅徹斯特大學的伊斯曼劇院等靚聲場地一樣，Telarc擁有美國第二老的音樂廳辛辛那提音樂廳。這個至今未被改建的音樂廳有大約兩秒的天然混響，為Telarc的大部分錄音提供了優越無比的空間感。

聯系方式：如有需要，可以在http://www.telarc.com/ContactUs/頁面填寫并提交相關內容。 

阿姆斯特丹音樂廳

阿姆斯特丹音樂廳（荷蘭語：Concertgebouw），位于荷蘭阿姆斯特丹。由于對建筑聲學的高度重視，因此與波士頓交響樂大廳、維也納金色大廳一同被視為是世界上最佳的音樂廳。音樂廳的建筑師為Adolf Leonard van Gendt，其靈感來自于兩年前建造的萊比錫新布商大廈（Neue Gewandhaus，毀于1943年）。1883年，音樂廳開始動工，地點位于當時阿姆斯特丹市外新阿姆斯特爾（Nieuwer-Amstel）的一片牧草地。新阿姆斯特爾在1964年改名為阿姆斯特爾芬。

阿姆斯特丹音樂廳在1888年4月11日開幕，并舉行一場有120位音樂家組成的交響樂團，以及500人制合唱團參與的音樂會，演出了華格納、韓德爾、巴哈和貝多芬的作品。駐地交響樂團為王家音樂廳樂團，他們在1888年11月3日以“阿姆斯特丹音樂廳樂團”（Concertgebouworkest）的名稱在音樂廳首次演出。

“大廳”（Grote Zaal）有著2037個座位，長44米，寬28米，高17米。無觀眾時的回響時間為2.8秒，有觀眾為2.2秒，非常適合馬勒等浪漫樂派晚期的曲目。雖然這項特色讓音樂廳十分不適合裝麥克風演出，但1960年代先后有何許人合唱團與平克·佛洛伊德等團體在此開唱。除了交響樂，還有爵士樂與世界音樂會在大廳演出。而歌劇的音樂會也在這里舉行。“大廳”旁是一個較小、場地呈現橢圓形的“小廳”（Kleine Zaal）。“小廳”長約20米，寬15米，有著478個座位，其空間非常適合室內樂和藝術歌曲的演出。

在建造音樂廳的年代，聲學被視為某種“黑魔法”。設計者是根據在過去尚未了解的科學（即使在今日依舊沒有完全了解）來繪制。音樂廳完工之后，由于聲學的表現未臻完美，還投入大量心力去微調聽覺氛圍。在之后的整修工程中，會特別去注意不要修改過去內部裝潢所使用的素材。1980年代，在發現音樂廳正在緩慢下沉后，開始籌措資金以進行更新。音樂廳擴建工程的建筑師由 Pi De Bruijn 擔任。

今日，每年約有900場音樂會在阿姆斯特丹音樂廳舉行，觀眾超過800,000名，成為世界上觀眾數第二多的音樂廳，僅次于觀眾數超過一百萬的羅馬音樂公園音樂廳（Parco della Musica）。阿姆斯特丹音樂廳的一大特點是一年一度由荷蘭木管合奏團（Nederlands Blazers Ensemble）所擔綱的新年音樂會。目前音樂廳的行政總監為Simon Reinink，藝術總監為Anneke Hogenstijn。

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電話：020 5730400
傳真：020 5730563
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卡內基音樂廳

卡內基音樂廳（Carnegie Hall，也譯作：卡耐基音樂廳），是由美國鋼鐵大王兼慈善家安德魯·卡內基于1891年在紐約市第57街建立的第一座大型音樂廳。一開始大廳的名字僅是簡單的“音樂廳”（建筑正面華蓋上方有“音樂廳由安德魯·卡內基出資建造”的字樣）。后來在紐約音樂廳公司（大廳最初的管理機構）董事會成員們的勸說下，卡內基同意用他的名字命名，大廳于1893年正式更名為卡內基音樂廳。現任大廳執行與藝術總監是克里夫·基林森（Clive Gillinson）爵士，他于2005年7月上任，同時他也是倫敦交響樂團的團長。

卡內基音樂廳的建筑采用意大利的文藝復興風格，并有號稱世界一流的音響設備。音樂廳建成后的首演式上，由柴可夫斯基擔任客座指揮，吸引了全紐約的名門雅士前去觀看，據說當年參加首場演出的觀眾足足等了一個多小時才得以步下馬車進入大廳，由此可見當日演出的盛況。多年以來，紐約愛樂樂團一直在此演出，指揮家包括托斯卡尼尼、斯托科夫斯基、布魯諾·瓦爾特以及伯恩斯坦。能夠在這里演出或登臺亦成為躍登古典與流行音樂樂壇成功的標志。1950年代末由于紐約市政建設的需要，卡內基音樂廳險遭拆除。小提琴表演藝術家艾薩克·斯特恩（Isaac Stern）發起一場運動，保住了這棟具有歷史意義的建筑物免遭改建成辦公寫字樓的厄運。1964年，卡內基音樂廳被美國國家文物保護機構確定為國家級歷史文化遺址，讓現代的都市人置身于這樣一個充滿“鍍金時代”傳奇色彩的演出大廳，聆聽高雅的音樂，的確是一種難得的精神享受。

卡內基大廳是由紐約宗教劇社團的業余大提琴手，并不出名的威廉·波奈特·杜斯爾（William Burnet Tuthill）設計的，設計成意大利文藝復興式樣，用磚和棕色砂石建成的。卡內基大廳是紐約僅存不多的，完全沒有金屬構架的全磚石結構的大型建筑之一，在20世紀初，由于要在演出廳添加一些樓梯，才增加了一些金屬構件。外部全是由“羅馬式”的窄磚構成，形成一種深棕色色調，細部是陶土和棕色砂石的雕塑。大廳避免了當時流行的巴洛克風格裝飾，采用了佛羅倫薩的文藝復興時期著名建筑師和雕塑家伯魯乃列斯基（Filippo Brunelleschi）的作品，帕奇禮拜堂高尚的風格，即：圓拱頂是由白色石膏和灰色石頭組成的和諧色彩，四外是科林斯柱式柱頭的壁柱支撐著連續的檐口，檐口上面，拱頂下面是一序列的半圓窗，組成著名的金色和白色的內部色調。

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電話：212-247-7800。

Focus@will

Focus@will是一款純音樂應用。focus@will的想法很簡單，就是想通過純音樂幫助你提高效率。Focus@will正在努力為自己量身定做音樂流領域中一個關鍵的個性——它希望幫助你集中精力。首次報道Focus@will是在2013年2月，那時它是對全美用戶公測。從那時起，它已經悄悄地走向全球，用開發移動應用程序的承諾來打開它的Web應用程序國際市場。在進入Google Play后，2013年6月，它推出了ios版本應用。

Focus@will重點是針對那些希望在工作，學習，讀或寫集中注意力和提高記憶的用戶。它不提供任何的搜索功能，或其他任何下拉菜單，播放按鈕，跳過按鈕和音量控制。您可以從古典，Focus溫泉，快節奏，寒冷的阿爾法，聲學，爵士，電影或環境選擇音樂類型。所有音樂提供的是純音樂而已，這是一個明顯采取的步驟，因為在努力工作時抒情的音樂可能會分散注意力。從整體的 UI 設計和交互上看，focus@will都屬于“一次做好一件事情”的應用。進入主界面，用戶可以選擇曲風，目前提供的風格包括：古典、Focus Spa、快節奏、爵士樂、環境等。長按時鐘表盤可設置時間，值得說明的是，用戶并不能自己選擇曲子，不喜歡可切換到下一首，用的越多，推薦的越精準。

除了Android應用程序中，Focus@will現在賺用戶錢用一個新的基于訂閱的模式，提供高級功能，如生產力跟蹤個人的進步提供了周線圖上，如何保持以及提高生產力。新標志-UPS可以訪問高級功能的前三個星期，然后選擇支付的訂閱服務，或者使用時間限制100分鐘的時間間隔。您可以通過Web應用程序升級，或通過移動應用程序。在費用方面，那么，它會設置你每月3.99美元，或$34.99一年的完全訪問。通過比較發現，Spotify的付費成本每月9.99美元，它為用戶提供了移動應用程序的訪問，當然還有更多的音樂。Focus@will的現有播放列表是否采用還有待觀察，盡管很難說會有任何人支付這附加功能，Spotify或Rdio就是先例。至于Android應用程序，它應該在任何設備上搭載了Android4.1及以上版本，只要你啟動它，你是可以玩好久的。

它提供了一個非常簡單的界面，可以讓你播放或停止音樂，并從列表中選擇流派，以及設置一個可定制的定時器定義會話持續時間。創始人兼首席執行官亨肖爾表示：我們的最終目標是使用戶無論在哪兒都很容易提高他們的注意力和提供方法來優化集中意志和積極性。我們很高興完成在國際上展開我們革命性的訂閱服務，用Andriod這個載體為人們提供更多提高工作效率的選擇。Focus@will提供令人鎮定的音樂播放列表，無論何時，這是一個很好的想法。

黑旗樂隊

黑旗樂隊（Black Flag）是純朋克搖滾的典范。成立的構想來自加利福尼亞的一個說話遲鈍但卻有著敏銳的商業意識和深厚音樂基礎的音樂人Greg Ginn（格雷格·金），他成為了Balck Flag的吉他手，并且由此成立了著名的SST唱片－－在很多年內被看作是南加州硬核搖滾的陣地。金的吉他演奏簡直就是不折不扣的攻擊，加上一些奇怪的吉它反復，這使得同時期的那些英國朋克領袖們也要虛心的向Black Flag學習。樂隊歌詞充滿了朋克青年的頹廢、對社會的抱怨、以及對自己毫無社會價值的一種滿足等等。

1981年，樂隊開始自己硬核朋克典范樂隊的路程，邀請了凱德那擔任專職節奏吉他手，請來了樂隊初期的忠實樂迷和經濟贊助者－－冰淇淋店的老板亨利·羅林斯。羅林斯的到來，讓金可以全心的投入到唱片公司的發展上去，在金的努力下，Black Flag五年內推出了十多張專輯。羅林斯參與創作了專輯《My War》，之后樂隊以羅林思的詩歌譜寫了專輯《Family Man》。羅林思的歌詞將攻擊性調和以他的才智，這讓樂隊的新老專輯風格都會有很大的不同。Black Flag的影響也比CBGB時代要深遠得多，它的審美方式也被后來的激流金屬、速度金屬、死亡金屬、碾核、垃圾樂、另類金屬、朋克復興運動乃至整個另類搖滾樂界發揚光大，并最終促成了九十年代垃圾樂、朋克復興的主流化。

Black Flag無疑是當時最出色的代表。他們不僅保持了朋克一貫的沖勁，而且結合了爵士樂、重金屬、噪音搖滾等風格，創造出更加豐滿的音樂氛圍，成為美國朋克史上第一支具有深遠影響的硬核朋克樂隊。他們不僅界定了自己的硬核審美觀，而且在朋克和重金屬之間找到了完美的結合點，為日后的激流金屬和朋克金屬奠定了堅實的基礎。Black Flag復雜的音樂元素、波西米亞風格的試驗色彩、詩化的歌詞在八十年代名噪一時，成為當時地下音樂最具哲人風采的硬核樂隊。

1981年，Black Flag因對Unicorn唱片公司以“內容過于危險、粗俗”為由封殺專輯《Damage》的行為大為不滿，一怒之下成立了他們自己的SST公司的名義發行了這張硬核經典。結果是，樂隊在專輯被驚嘆為“地下世界的曙光”的同時被麒麟公司告上法庭，陷入了一場曠日持久的官司，樂隊甚至被禁止在此階段使用樂隊的名稱和標識。不過這件事對Black Flag毫無影響，他們在兩年內瘋狂巡演，在高峰時期甚至還秘密發行了一張粗糙的精選雙專輯《Everything Went Black》。老天有眼，1983年，麒麟公司宣告破產，這場官司最終不了了之。或許想追回以前的時間，樂隊從1984年起開始變得難以置信的多產。到 1985年共完成了《My War》、《Family Man》、《Slip It In》、《Live '84》、《Loose Nut》、《The Process of Weeding Out》等九張專輯，Black Flag的事業達到了巔峰。

這個時期Black Flag不僅在音樂上取得了空前的成功，更為重要的是他們的SST公司為推進硬核搖滾的發展作出了突出的貢獻。SST的空前成功導致了樂隊元老Greg Ginn在1986年突然決定解散Black Flag，以便把精力更多地投入到公司事務當中。他的決定當然有他的道理，一切革命都需要有領導者，而SST正是硬核革命領導者的最佳人選。