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華納古典國際

華納古典國際（Warner Classics International）的官方網站。華納古典旗下的主力廠牌包括Teldec與Erato。一線藝人有鋼琴家皮埃爾-洛朗·埃瑪德、指揮家兼鋼琴家丹尼爾·巴倫博伊姆、女中音蘇珊·格拉漢姆、男中音迪米特里·弗羅斯托夫斯基和小提琴家馬克西姆·文格羅夫等。

Teldec在1920年由德律風根公司和Decca合資創建，最初取名為Vitraphon，1932年改為現名。公司錄音曲目多樣化，尤其注重錄制室內樂作品，錄制了很多作曲家的室內樂全集，它旗下的鮑羅丁四重奏團、柏格四重奏團，豐特奈三重奏團等都具有很高的藝術品味。在早期音樂的演錄方面，該公司也頻有成就，早在50年代就設立了一個“古樂系列”，曲目可上溯到12世紀，采用當時的樂隊編制和樂器，由指揮家哈農庫特指揮專門演奏古樂的維也納音樂會樂團演奏，獲得廣泛贊譽。該公司還錄制了用貝多芬時代樂隊編制演奏的貝多芬交響曲全集。Teldec重新發行的許多歷史性錄音也是人們十分感興趣的。

2001年，華納古典國際公司宣布關閉設在德國和法國的兩個古典音樂品牌Teldec Classics和Erato Disques的辦事處。華納古典稱這是他們經過數周考慮后作出的一個重組計劃，但人們還是擔心重組與削減古典音樂機構將使華納步BMG的后塵，令古典音樂事業受到致命的打擊。2000年夏天，BMG宣布撤消古典部門、停止所有古典音樂唱片的簽約、錄制與發行活動，使古典音樂唱片業陷入有史以來的最大困境。華納古典(WCI)宣布重組后的古典音樂項目將由設在倫敦的總部負責，這意味著現在設在漢堡的Teldec和巴黎的Erato辦事處將共有60名雇員成為多余，而這些人占WCI總雇員的2/3。華納強調Teldec和Erato兩個品牌及其所屬藝術家將繼續存在，已經簽約的項目將繼續進行。

其中，Teldec雄心勃勃即將推出的當代音樂家作品系列唱片“新線”(New Line)系列將完全按照計劃實施完成。總部設在倫敦的WCI將是華納國際音樂公司(Warner Music International)的一部分，將由總裁馬可·比戈諾第(Marco Bignotti)監管。他將負責簽約、錄制唱片以及已經和未來與Teldec、Erato簽約的藝術家的市場推廣工作。Teldec和Erato兩個品牌將繼續作為古典音樂領域中重要的品牌存在。他們將努力為古典音樂改變現有的商業市場環境，并將針對更新的受眾需求來擴大錄音曲目的范圍，尋找更好的平衡點。相信古典音樂愛好者都會希望華納古典此次的重組將是一個新的起點，而不是滑落的一個開始。

卡內基音樂廳

卡內基音樂廳（Carnegie Hall，也譯作：卡耐基音樂廳），是由美國鋼鐵大王兼慈善家安德魯·卡內基于1891年在紐約市第57街建立的第一座大型音樂廳。一開始大廳的名字僅是簡單的“音樂廳”（建筑正面華蓋上方有“音樂廳由安德魯·卡內基出資建造”的字樣）。后來在紐約音樂廳公司（大廳最初的管理機構）董事會成員們的勸說下，卡內基同意用他的名字命名，大廳于1893年正式更名為卡內基音樂廳。現任大廳執行與藝術總監是克里夫·基林森（Clive Gillinson）爵士，他于2005年7月上任，同時他也是倫敦交響樂團的團長。

卡內基音樂廳的建筑采用意大利的文藝復興風格，并有號稱世界一流的音響設備。音樂廳建成后的首演式上，由柴可夫斯基擔任客座指揮，吸引了全紐約的名門雅士前去觀看，據說當年參加首場演出的觀眾足足等了一個多小時才得以步下馬車進入大廳，由此可見當日演出的盛況。多年以來，紐約愛樂樂團一直在此演出，指揮家包括托斯卡尼尼、斯托科夫斯基、布魯諾·瓦爾特以及伯恩斯坦。能夠在這里演出或登臺亦成為躍登古典與流行音樂樂壇成功的標志。1950年代末由于紐約市政建設的需要，卡內基音樂廳險遭拆除。小提琴表演藝術家艾薩克·斯特恩（Isaac Stern）發起一場運動，保住了這棟具有歷史意義的建筑物免遭改建成辦公寫字樓的厄運。1964年，卡內基音樂廳被美國國家文物保護機構確定為國家級歷史文化遺址，讓現代的都市人置身于這樣一個充滿“鍍金時代”傳奇色彩的演出大廳，聆聽高雅的音樂，的確是一種難得的精神享受。

卡內基大廳是由紐約宗教劇社團的業余大提琴手，并不出名的威廉·波奈特·杜斯爾（William Burnet Tuthill）設計的，設計成意大利文藝復興式樣，用磚和棕色砂石建成的。卡內基大廳是紐約僅存不多的，完全沒有金屬構架的全磚石結構的大型建筑之一，在20世紀初，由于要在演出廳添加一些樓梯，才增加了一些金屬構件。外部全是由“羅馬式”的窄磚構成，形成一種深棕色色調，細部是陶土和棕色砂石的雕塑。大廳避免了當時流行的巴洛克風格裝飾，采用了佛羅倫薩的文藝復興時期著名建筑師和雕塑家伯魯乃列斯基（Filippo Brunelleschi）的作品，帕奇禮拜堂高尚的風格，即：圓拱頂是由白色石膏和灰色石頭組成的和諧色彩，四外是科林斯柱式柱頭的壁柱支撐著連續的檐口，檐口上面，拱頂下面是一序列的半圓窗，組成著名的金色和白色的內部色調。

聯系方式

電話：212-247-7800。

薩爾茨堡音樂節

薩爾茨堡音樂節（Salzburg Festspiele），創立于1920年，可以說是全世界水準最高、最富盛名的音樂節慶，當初是專為演奏莫札特作品而設立的音樂節慶，此后，一系列著名的指揮家擔任音樂節的指揮，例如卡拉揚曾親自領導與指揮音樂節長達30多年，使得薩爾茨堡音樂節名氣扶搖直上。每年7月底至9月初音樂節期間，音樂節大廳、莫札特音樂學院、州立劇院、米拉貝爾宮都有音樂活動。薩爾茨堡音樂節大會堂（Grosses Festspielhaus,Salzburg），位于奧地利，是世界知名歌劇院之一。

1877-1910年舉行過八次的莫扎特節，是薩爾茨堡音樂節的前身，從馬勒在這里指揮莫扎特的歌劇《費加羅的婚禮》后聞名于世。1920年起年年舉行。雖因第二次世界大戰而中斷，但于1945年恢復后，規模越來越大，成為每年世界音樂文化生活的一件大事。參加者以維也納國立歌劇院和維也納愛樂管弦樂團為主，世界各國著名交響樂團、指揮家、獨奏家和歌唱家也常來演出。擁有歐洲最大舞臺的新祝典劇場也于1960年開幕。歌劇主要演出莫扎特和理查·施特勞斯的作品，也上演意大利歌劇、巴洛克歌劇、德奧系統的歌劇，以及各國現代歌劇等。音樂會有交響樂演奏會以及各種專題的獨唱、獨奏音樂會。自五十年代后半期起，出生于薩爾茨堡的名指揮家卡拉揚一度成為這個音樂節最重要的音樂家。

盡管薩爾茨堡音樂節的歷史可以追溯至1920年，但它是在卡拉揚33年的主管期間才具備今天這樣的影響力。在他去世19年后，他的半胸像仍立在薩爾茨堡的“音樂節廳”前，這一音樂廳是1960年根據卡拉楊自已的設計所建造的。卡拉揚1956年出任藝術總監時曾說：“我將是一位獨裁者。”，這成為他的名言。雖然他于1964年卸任藝術總監、成為委員會的一名普通委員，但音樂節的網站上仍稱他是“最后一位絕對統治者”，他在1989年去世之前仍在幕后謀劃，作出最重要的決定。在卡拉揚去世后，音樂節的組織者意識到卡拉揚晚年時期音樂節藝術風格僵化的問題，他們已開始試圖把更廣泛和更現代化的樂曲帶至音樂節，吸引更年輕的聽眾。《阿希斯的圣弗朗西斯》、《偉大的麥克白》等20世紀偉大作品已首次在音樂會上演奏，這在卡拉揚的時代是不可想像的。卡拉楊的繼任者吉拉德-莫迪埃對音樂節的管理機構提出了挑戰，尤其是在維也納愛樂樂團所享特權和無處不在的錄音業的問題上。

Modest Mouse

Modest Mouse是一支來自華盛頓州的搖滾樂隊。樂風從90年代初期的低傳真吉他搖滾，逐漸蛻變為以吉他搖滾風格為骨干，延伸多樣樂風，從龐克、草根民謠、新浪潮放克到迷幻搖滾，樹立了獨特音樂標志的優秀搖滾隊伍。奧林匹亞、華盛頓近一兩年傳遞著一個陌生的名字“Modest Mouse”，炙手可熱。它其實算不上搖滾，更像是Ween樂隊的孿生樂隊，一支擁有平常心的紳士樂隊。沒有露骨的憤怒，優美的旋律和漫不經心的嗓音下，Modest Mouse幾乎天真地用嘲諷的話語和深層的處世哲學闡述著非常搖滾的內容。并不是任何人都愿意用直白的態度來表明立場，而這正是Modest Mouse的風格。

Modest Mouse本身具有一種天生的親和力，簡單的音樂中融合著其它許多類型的音樂，從Post-Fugazi的Emo-core到Pixies和 Pavement甚至早期的Talking Heads。Pixies的歌曲結構一直是樂隊的主要特點，還有非常少的爆發片段都非常像Pixies，總體聽起來又有些像輕型的Pavement。除去上述較明確的音樂影響外，Modest Mouse本身其實就是一個怪胎，60年代的節奏布魯斯和新浪潮的No Wave之聲竟然會被融合在一起，用管弦樂模式作為內在驅動力，這還不算“猶抱琵琶半遮面”的生澀Solo（其實這也是故意的）。

這種風格在同時期的搖滾樂隊中是極為罕見的，究其原因，Modest Mouse流行/搖滾的獨立姿態并不是刻意追求一貫的DIY精神，音樂細致富有張力，在足夠的空間感下形式緊湊，表現方法隨意又不失謹慎嚴密。可以說，他們的音樂體現了搖滾的另一種境界，也可以說是一種極端——純粹的唯美主義。任何極端總是有一定的弊端，“不夠搖滾”于是就成為了Modest Mouse最大的缺點（這恐怕還是我一廂情愿的主觀臆斷，也可以說是不良習慣）。歷史上不夠“搖滾”卻搖得厲害的樂隊不勝枚舉，Jimi Hendrix、Rush、Pink Floyd、R.E.M。審美標準的不同的結果在此時就非常明顯了，Modest Mouse的評語中絕對沒有一絲一毫“重量”感，卻穩穩地和Ween一起占據著校園排行榜。

Sonicbids

Sonicbids是一家知名的音樂網站。從嚴格意義上講，成立于12年前的Sonicbids其實不算一家初創企業，但是當年互聯網剛剛興起時，Sonicbids開創了一種全新的音樂業務模式。它現在擁有60萬注冊用戶和6萬付費訂戶，多次成為SXSW音樂節、北京摩登天空音樂節等大型音樂活動的報名和選拔平臺，還與Diesel、Gap等知名品牌合作開展營銷活動。現在 Sonicbids 已經有超過 40 萬家樂隊和 3 萬家活動組織者入駐，2012年各種樂隊在 Sonicbids 上申請了十萬多場演唱會，成立12 年來已經有75 萬場演唱會是通過 Sonicbids 舉行的。

娛樂新聞的主角永遠是那些大明星，但是娛樂圈也離不開千千萬萬默默無聞的“龍套”角色和獨立藝人，正如浩瀚壯麗的星空離不開那些不起眼的小星星。其實娛樂也是一個行業，有著龐大的從業者隊伍和旺盛的業務需求，如果娛樂圈也有一個類似LinkedIn的職業社交網站，會不會有助于普通藝人脫穎而出、獲得導演或活動組織者的青睞呢？這類網站將可以幫助草根藝術家在 SXSW 這類藝術節上找到演出機會，或者讓無名演員舞者有機會在電影中混到一個跑龍套的角色。可別小看這類機會，很多角兒都是這么過來的。正是抱著打造娛樂圈LinkedIn的想法，有著50多年歷史的星探公司Backstage以1500萬美元收購了知名音樂網站Sonicbids。Backstage致力于為演員、舞者、模特、雜技雜耍表演者等藝人提供演出信息、職業指導以及接觸導演的機會；Sonicbids則在樂隊與音樂活動組織者之間牽線搭橋，還能幫助品牌或公司尋找營銷活動所需的駐場樂隊。

相同的經營理念讓Backstage和Sonicbids成了一家人，他們希望攜手打造娛樂圈的LinkedIn，為所有演藝人員提供職業交流平臺。收購完成后，Backstage和Sonicbids仍將各自獨立運營，Backstage的CEO約翰•阿瑪托（John Amato）將擔任集團領導，而Sonicbids的創始人帕諾斯•帕內（Panos Panay）將繼續擔任Sonicbids的CEO。Sonicbids 的創始人 Panos 在公開信中說，12 年前還沒有 iTunes，沒有社交媒體，也沒有如今什么都在網上進行的氛圍。當時他的想法就是要做一個網站，讓世界上任何一個樂隊或者藝術家都能更容易的找到機會，獲得更好的職業發展。

Dead Can Dance

Dead Can Dance是英國獨立唱片公司4AD旗下最具影響力的樂隊之一，其核心成員是Brendan Perry（男主音，吉他手，多樣器樂演奏家）和Lisa Gerrard（女主音，揚琴手，多樣器樂演奏家）。Dead Can Dance的兩位成員Brendan Perry和Lisa Gerrard都是愛爾蘭后裔，1980年他們在澳洲墨爾本相遇后，共同開發并分享著彼此對音樂、文學和視覺藝術的熱愛，第一首作品"Fast Forward"被澳洲的一家小公司收錄在一張圣誕節合輯里，算是D.C.D.初試啼聲的佳作。1982年，D.C.D.前往倫敦，尋求澳洲市場外的成功機會，經過一年的摸索，終于被4AD相中簽約，在來年3月為他們出版首張同名專輯，紀錄D.C.D.成軍4年間的心血創作。

1984年底4AD計劃發行This Mortal Coil第一張合輯，D.C.D.有兩首作品入選，分別是"Dream Made Flesh"和"Waves Become Wings"，緊接著他們以個人名義推出的另兩首新曲"It'll End In Tears"和"Garden Of The Delights"也迅速的問市，其中在單曲內頁里發表了Brendan Perry的繪畫作品，是D.C.D.多面向才華的一次成功表現。1985年D.C.D.第二張大碟"Spleen And Ideal"出版，在英國獨立排行榜上一路攀升到第2名，86年年初，因為廣大樂迷的催促，D.C.D.排出量少質精的演唱會場次，與聽眾直接溝通，同年并藉 4AD合輯"Lonely Is An Eyesore"發表兩首新作"Frontier"和"The Protagonist"。

在1987年發表第3張專輯"The Realm Of A Dying"后，D.C.D.搬入英國政府配給的國宅中，過著近乎是城市隱士的生活，為下一張專輯"The Serpent's Egg" 撰寫詞曲，并運用自己的錄音器材錄制完成整張專輯，期間幾乎沒有和外界有任何往來，使樂迷對他們的神秘更為敬畏。就當全世界都以為D.C.D.已經決心脫離塵世時，他們卻又走出來和大眾媒體見面，不但為西班牙名導Augustin Villaronga的坎城開幕片"Moon Child"做配樂，女主唱Lisa Gerrard還在電影中稱職的出飾一角，使很多人留下深刻的印象。自90年代起，D.C.D.這個有10年歷史的老牌樂團活動更加頻繁，第5張專輯"Aion"，真誠表達出D.C.D.一向根本溯源的立場，作品里透露了自中古世紀至文藝復興時期，宗教音樂和美學觀念的影響。肇始于89年和電影媒體愉快的合作經驗，91年Lisa更積極的拓寬藝術領域，她承諾為Temeno制作的希臘名劇「伊底帕斯王」譜寫配樂，并且參與多次藝術季活動，得到英國劇評們的認同。

1992年，美國唱片界紛紛向D.C.D.招手，于是4AD整理出所有錄音作品中的精華，加入兩支口味清淡的新曲"Bird"和"Spirit"，在新大陸發行了題名為"A Passage InTime"的精選輯，向美國對D.C.D.樂風不熟悉的聽者投石問路，吸引了大批包容力較強的消費者，其中包括許多學術、文化界的人士，也為D.C.D.帶來很多意想不到的合作關系，例如美國制片Mark Magidson和導演Ron Frilke在開拍新片"Baraka"時就選上D.C.D.的舊作"The Steppents Egg"做主題曲，另外法國音 樂家Hector Zazou制作紀念魔鬼詩人韓波逝世一百周年的概念專輯時，也慕名邀請D.C.D.撰寫兩首作品，在這張經典專輯里跨刀的藝人還有John Cale，David Sylvian，Bill Laswell和坂本龍一等人。

Kraftwerk

Kraftwerk是德國的前衛音樂團體，在電子音樂的開疆拓土的歷史中扮演十分關鍵的角色。樂團在1970年的創始團員為Florian Schneider 與 Ralf Hütter于杜塞爾多夫 , 而廣為眾人熟悉的四人組合的其他兩人Wolfgang Flür and Karl Bartos 則是稍晚加入。Kraftwerk所引進的技巧以及發展出來的裝備，已成為現代音樂的必備常識。他們對二十世紀下半葉音樂的影響力，有不少人認為是足以與披頭士相提并論。70年代中期，德國的 Kraftwerk 樂隊勾勒了以后十幾年中無數電子音樂家竭力追隨著去實現的宏偉藍圖。從英倫New Wave 運動到 hip-hop 再到 techno，樂隊自己形容的“機器人流行樂”（用電子設備表現出的有催眠節奏的音樂）在電子音樂的每個新的發展階段都產生了巨大的反響，深刻地影響著20世紀末同時代的流行樂。作為電子樂先鋒，他們持久深遠的影響無論怎樣形容都不嫌夸張。

Kraftwerk是從60年代末的德國實驗音樂團體中脫穎而出的，這個團體也孵化了像Can和 Tangerine Dream 這樣的著名樂隊。樂隊核心成員 Florian Schneider 和 Ralf Hutter 首次相遇時還是西德一所古典音樂學院的學生。他倆起初在一個叫 The Organization 的五人樂隊里，1970年樂隊發行了專輯 《Tone Float》。接著 Schneider 和 Hutter 就解散了 Organisation，重新組建了自己的樂隊并命名為 Kraftwerk（德文意思是“發電站”），開始在他們自己的工作室（后來稱為“Kling Klang”）里制作起了音樂，沉浸在他用最低限度要求電子學創作的還不是很成熟的音樂中。他們1971年的首張專輯 《Kraftwerk 1》，提出了他們獨特美學觀點的早期雛形，并進行了一些創新的嘗試，包括其中用到的由 Schneider 自己設計制作的電子設備。專輯中怪異機械的噪音處理和環境電聲操作讓當時的樂壇大吃一驚。

接下來的是一系列的人員變換，甚至 Hutter 也一度離開了樂隊。但是，到發行專輯 《Kraftwerk 2》 時， Hutter 又回來和 Schneider 一起工作了。這張錄音沒有用鼓，專輯的節奏部分全部由鼓機來提供，創造出了在那時還沒有先例（從純技術概念來看）的具有明顯機械感的音樂，徹底地與傳統音樂家背道而馳（正如當時的聽眾）。然后樂隊舉辦了一些頗受歡迎的現場演出，直到他們第三張具有突破性的專輯，1973年的《Ralf and Florian》的發行。專輯把他們的野心和抱負精煉成一些簡單但極有革新理念的動機，他們的音樂變得越來越具有啟發性——盡管他們這種輪廓鮮明、科學的形象是完全處在那個時代流行音樂的對立面。

1975年，Kraftwerk以一張探討無線電通訊題材的概念專輯《Radio—Activity》再次露面，專輯發行了德文和英文兩個版本，預示了樂隊在世界范圍的流行。火車旅行是1977年的專輯《Trans—Europe Express》的主題，標志著音樂向機械化方向發展的運動正在興起。《Trans—Europe Express》對早期的 Hip-hop 產生過重大影響，它把一種比較冷酷嚴厲的節奏和膽怯神秘的高音調散射結合到了一起，這種效果具有催眠作用。Kraftwerk 善于使用重復部分，這種效果就像是節奏中帶有彈性效應。曲子 “Metal On Metal” 就像是吹來一股涼爽的微風。

Spice Girls

Spice Girls是世界上影響力深遠的女子流行組合之一。她們開創了女子組合取得世界范圍內成功的先例，對后來出現的所有的女子流行組合都有強大的影響力。組合誕生于20世紀90年代末期，商業上，取得了全球范圍內的成功，唱片總銷量超越了七千五百萬，9首英國銷量排行冠軍單曲，2張冠軍專輯。在文化方面，她們成功的將女性主義等元素融入進自身，“辣妹”這個詞以及成員的名字都已經家喻戶曉，并進入了英國的詞典。辣妹組合已然進入了世界的文化歷史，在一代又一代人之中都有不可磨滅的深刻印象。

維多利亞是人們最為熟知的辣妹了。出生在一個富裕家庭，是家中長女，下有一個妹妹和一個弟弟。童年生活富足，但是性格內向，在學校里的人緣不是特別的好，經常收到同學的嘲弄。從小喜歡跳舞，家中也著力培養。后來進入專業的舞蹈學院學習，并在畢業后參加了多場音樂劇的演出，進入辣妹組合之前還在一個叫做“勸說”的樂隊中擔任主唱。加入辣妹組合之后，維多利亞的個性得到了很大的改變，主要是其他4個自信的女孩子的影響。另外，因為本身她不愛多說話，所以成了辣妹組合5個人中惟一的一個能夠代表“酷”的成員，她也逐漸的找到了自己的形象定位，成了有品位有格調的“高貴辣妹”。個性上，維多利亞不像其他4個辣妹那樣張揚，在對外采訪中，她的話總是最少，可總會是整場談話中的亮點，維多利亞是5個辣妹中不可否認的最具有幽默感的一位。

Spice World于1997年11月3日在英國首先發行。這是辣妹的第二張專輯。這張專輯依舊取得了世界范圍內的成功。在英國等16個國家地區取得了銷售排名冠軍，世界范圍內賣出了兩千萬張拷貝。1997年辣妹在英國發行這張專輯，在美國發行了專輯Spice，雙雙取得銷量榜冠軍，并引起了世界范圍內的“辣妹狂熱”。伴隨著這張專輯，辣妹開始了世界巡回演出，并拍攝了辣妹的第一部電影《辣妹世界》。1997年是辣妹真正大紅大紫的日子。專輯共發行了4張單曲唱片。其各自紛紛登上銷量榜榜首已經成了平常的情理之中之事。但是其中一首單曲Stop，發行后沒有成為冠軍單曲，而是排在了第二名。這也是辣妹組合第一次沒有拿下第一，也中斷了辣妹組合連續取得冠軍的記錄。本張專輯實際上也是辣妹組合的第一部電影《辣妹世界》的電影原聲唱片。

在歌曲創作上，5個女孩依舊是積極的參與進去。歌曲的風格也沒有多少改變，沿著第一張專輯的路子繼續走罷了。整體說來，這第二張專輯的制作水平與第一張相比更加精良，但是音樂的想象力上明顯沒有第一張那樣豐富。雖然專輯也取得了世界范圍內的成功，但是與第一張專輯相比，Spice World的成績要差的很多了。在第二張專輯發行之后，組合經歷了很多事情。比如開除經紀人賽門·福勒，世界巡回演出，出國在外在英國缺少宣傳，電影發行，還有姜汁辣妹杰瑞·哈利維爾的中途退出。但是這些都沒有成為這張專輯成功的障礙，反而促進了辣妹的事業更加蒸蒸日上。Stop是辣妹組合第一張非冠軍單曲，遺憾的排在了第二名的位置上。單曲Viva Forever是5個辣妹最后一次以5人的形式發行單曲。

2000年11月6日發行。辣妹的第三張專輯，也是唯一一張以4個人辣妹形式發行的專輯。這張專輯的銷量與前兩張相比落差是十分大的，只取得了世界范圍內六百萬張的銷量。英國專輯榜排名第二。但是這張專輯還是在巴西和瑞士兩個國家取得了銷量冠軍。這一時期，與組合在一起的辣妹相比，人們更加關注的是單飛之后的辣妹們。經過1996，1997，1998年三年的大紅大紫之后，辣妹們在1999年開始了各自的個人計劃。相繼取得成功之后，2000年維京唱片公司重新召回了維多利亞，梅蘭妮B,梅蘭妮C和艾瑪4個人，發行合約中的第三張專輯。對于這張專輯，4個人已經很難再拿出當年那種勁頭來對待了，4個人已經分別有了各自的事業，而且辣妹組合實際上已經沒有了一個統一的經紀人管理，而是4個辣妹分別雇傭了各自的經理人。

寵物店男孩

寵物店男孩（Pet Shop Boys）成立于1981年，是從八十年代起直至現今最成功的英國演唱組之一。Pet Shop Boys是一對天才的詞曲合作者：尼爾·泰納和克里斯·洛，他們在出道15年中憑藉優美的旋律和流暢自然的曲風，贏得了眾多樂迷的喜愛。1985年，寵物店男孩聘 Stephan Hague 為唱片監制，以一曲《West End Girls》闖入法國和比利時的單曲排列榜，結束了兩年的守望期，一躍成為流行樂壇的新寵兒。1986年，寵物店男孩以《 West End Girls 》連獲英、美排行榜的第一位；發行了首張專輯《Please》，突出自己將Disco和Pop揉合的獨特風格，以重復迭宕的和聲體現憂歡相隨的情感。1987年，寵物店男孩又推出了第二張專輯《Actually》，內容更加豐厚，二重和聲運用更為成熟，而單曲《It's A Sin》《It Couldn't Happen Here》 也在流行榜上取得了驕人成績。

完成中學學業后，尼爾打算去上大學學習歷史和考古，但是多變的性格很快就使他改變了主意，想去學通信。然而他卻遭到了學校的拒絕，原因是面試的那天睡過了頭。不過幸運的是，他卻意外地被批準去北倫敦理工學校學歷史，在那兒，NEIL一直呆到1975年。幾年后，尼爾去了一家出版社，工作中，他逐漸接觸到了那個“骯臟”的流行音樂世界，在尼爾看來，那倒是一個很容易賺錢的行當。后來，尼爾成了英國著名音樂雜志SMASHHITS的自由撰稿人。到這，一個流行音樂化的NEIL開始成型了。他開始寫歌，并把這些歌唱給朋友聽。當電子合成器在80年代初為不少流行樂隊所接受時，尼爾的音樂也開始電子化了。有一天，正當尼爾在倫敦KING大街上的一家電器行看電器時，一個不經意的搭訕使他結識了一個在他看起來有點瘋的CHRISLOWE，從此就有了寵物店男孩的故事。

1988年，寵物店男孩們又發行了一張更為古怪精美的專輯《Introspeetive》，它熔合多元化的音樂風格，使PSB的頑皮形象推向了極至。1990年寵物店男孩的第四張專輯《Behaviour》是與Harold Fateneyer的合作成果，其中減少了民謠的味道，而以更現實更理性的方式表達強烈的個人理念。到93年《Very》的推出又一次超越了PSB 先前的成績，充分顯示了他們作為流行音樂前沿斗士和舞曲情感締造者的實力。

回顧80年代，寵物店男孩除了在音樂上十分引人注目外，各種媒體也一直在炒作樂隊的同性戀的“傾向”。有媒體評價，在整個80年代中，除了在“新浪潮”領域中能找到同性戀的音樂文化之外，在英國，寵物店男孩是引人注目的新“電子舞曲”組合中最典型的一例“同志音樂”樂隊。主唱尼爾雖然在許多年以后才承認自己的同志身份，但不難發現他創作的歌曲及音樂錄影帶，多年來都脫不了與同性戀題材之間的密切關系，1987年的《罪惡》及《租賃》更大唱同性戀及牛郎的生活狀態以及生活態度；在80年代大拍MTV的浪潮下，寵物店男孩也錄制了不少帶有明顯同性戀暗示的音樂錄像帶，由早期的《多明戈舞蹈》到中期的《無聊》，和最近幾年發行的《紐約男孩》，出現在MTV中的全部都是半裸或是全裸的俊俏男孩子。

NSYNC

NSYNC樂隊的官方網站。1996年，五個極具天賦的男孩開始了一次可能改變世界的音樂旅程。他們來自美國不同的地方，可能是純屬偶然也有可能是命運的安排走到了一起，組成了歷史上最成功的男孩團體。旅程從佛羅里達州的奧蘭多開始，其間經歷了掙扎、快樂、痛苦、當然還有最終大獲成功后的幸福。這個由5位成員名字的最后一個字母組成的這個男孩團體，完美地詮釋了他們曼妙的和聲以及驚艷的舞蹈動作。每個想獲得成功的年輕人都會經歷一番艱苦的奮斗，但NSYNC的形成僅僅由電話開始。傳媒界大亨Lou Pearlman在佛羅里達的環球影城看到Chris Kirkpatrick的一場表演后，給Chris提供了一份難以拒絕的合約：由他來找幾個年輕人，組成一個演唱團體。Chris當即就同意了并馬上投入行動，開始向四處打電話為這個團體物色有特色的聲音。電話打給了Justin Timberlake，Chris把這個機會告訴他，并說想聽聽他的一些作品。這時Justin離開米老鼠俱樂部之后已經有一陣子了，正急于回到所熱愛的表演事業中，他的母親Lynn剪輯了一段他在MMC時的表演錄象寄給Chris。Chris看過后非常喜歡，立刻叫Justin乘飛機來奧蘭多，ustin成了組合的一員。

接著，Justin向Chris推薦了他在MMC認識的伙伴JC Chasez，認為JC將非常適合，Chris很感興趣，叫Justin打電話給JC。此時的JC正在打算過“平凡”的生活——進大學讀書；他接到Justin的電話后猶豫不已，父親的建議讓他打定了主意，父親說“你肯定不想以后回想起這事時，無奈地對自己說‘真希望當時我至少嘗試過’”。于是，JC參加了面試，很順利地成為了又一名成員。他們繼續尋覓下一個目標。當時，Joey Fatone正要在環球影城的BeatleJuice Graveyard回顧節目中進行表演，這么年輕的男孩能參與這樣的活動非常難得，他們打電話找到他，之后，Chris，JC，Justin，Lou Pearlman在Joey表演的那天去觀看了演出，Joey的表演打動了他們，一致認為他應該加入，于是，這個演唱團體有了第四個成員。四個年輕人開始一起練唱，盡管Lou Pearlman覺得他們不錯，但是他們自己并不滿意，認為聲音組合還不完整，需要一個男低音。Joey找來了朋友、曾經的同學Jason Watkins，他的到來完善了組合的和聲。然而Jason不喜歡這個團體將來的發展方向，也不喜歡他們要練的舞蹈，所以當Lou Pearlman要和五個人簽合同時，他退出了。

在父母們的支持下，Chris，JC，Joey，Justin簽了這份合同，合同中還寫明他們可以為團體找到第五個成員、一個能唱出低音F調的年輕男低音。由于之前Jason的到來讓他們以為這個組合終于完整了，所以已經安排好一場見面會，而現在僅有兩周時間讓他們去找一個新的男低音。NSYNC業已成型，Lou開始安置他們，在佛羅里達為他們買了套房子，在這里Chris，JC，Joey，Justin和Lance在一起工作、生活、玩耍。Lou還給他們津貼以及在這個年齡的男孩所需要的一切：籃球場，電子游戲機等等，但是在這里居住不光是玩樂，還要有很多東西要去學習。前MMC的聲樂老師Robin Wiley教其中一個男孩唱歌，另外四個則在一旁玩電玩；這個男孩上完課后再換一個來上課，剛上完課的則接著去打電玩。訓練還包括18小時的節目排練；房子里有一面墻上醒目地貼著他們的工作日程安排。

要使所有這一切：男孩們的玩樂和工作，能順利地進行下去，有一個辦法——不僅使他們成為工作伙伴，同時也是朋友、家人。利用Justin和JC在MMC時收到的歌迷來信，他們寄出了很多宣傳單為將在Pleasure Island舉行的*NSYNC見面會做宣傳。盡管這是他們首次集體登臺亮相，但這個夜總會仍被擠得滿滿當當。Justin和JC，以前在MMC有過非常豐富的表演經驗，對攝像機和閃光燈已經很適應了，Joey和Lance也表現得比較正常，但Chris卻始終非常緊張。他們最終還是完成了這場見面會，并且找來市場顧問Michael Schweiger，讓他負責在紐約尋找肯為NSYNC出唱片的大唱片公司，但很不走運，這些唱片公司都拒絕了他，因為他們認為現在市場只能有一個男孩團體，那就是后街男孩Backstreet Boys。